“Nuestra meta es potenciar la obra gráfica de los artistas de la colección”

El Real Club Marítimo de Melilla acoge desde el pasado 23 de septiembre la exposición ‘La estampería de Monsieur Perignon’, una muestra de grabados originales de artistas de finales del siglo XX y principios de XXI, como Picasso, Miró, Dalí o Saura. La exposición estará abierta al público hasta el 16 de octubre y los horarios de visita son de lunes a sábado de 12:00 a 14:00 horas y de 18:00 a 21:00 horas.  

–¿Cuándo surge la idea de crear la Fundación Arti Public?

– La entidad se creó en 1997 entre un grupo de gente que nos encontrábamos en una zona industrial donde teníamos unos talleres de artistas. A partir de este momento, y con la colaboración del Ayuntamiento de Barcelona, nos organizamos para poner en marcha un proyecto de una programación estable de arte contemporáneo en locales municipales. Más tarde se hizo toda una reestructuración de los barrios de la ciudad para sacar la industria de Barcelona. Hubo una reurbanización y nuestros espacios se tiraron al suelo. En este momento me trasladé a Cornellá, que está muy cerquita de Barcelona. 

–Por lo que la sede de la Fundación está allí.

- Nuestra sede social como elemento físico, es decir, a nivel fiscal, por ejemplo, sí está allí. Pero la muestra de obras no está en Cornellá, sino que ahora está en Melilla y luego en Soria. Esto no quita que un día elijamos una sala y realicemos una exposición con las obras de un artista de nuestra colección y le invitemos a estar allí. Bueno, a los que aún siguen vivos, porque ya me gustaría a mí contar con la presencia de Picasso o Dalí. . 

– ¿Cuáles son los objetivos de la entidad?

– Nuestra meta es potenciar la obra gráfica de los artistas de la colección.  Otro de los objetivos es la de crear relaciones con otras instituciones y la de salir fuera con las exposiciones, esto es, realizar actividades fuera del ámbito de Cataluña. Cuando llegamos a Cornellá nos centramos aún más en la obra gráfica. 

–¿Qué actividades realiza en Art Public?

– La primera de todas es coleccionar obras de arte para poder mostrarla. Vamos a ferias, exposiciones, muestras, hablamos con otros coleccionistas, artistas, particulares... Todo este trabajo para encontrar piezas y rellenar huecos y dar así una visión continua del arte contemporáneo en la obra gráfica. Lo segundo que hacemos son las exposiciones. Pero cuando llevas tres o cuatro te das cuenta de que ésta no es la manera de funcionar por lo que empezamos a hacer actividades paralelas a cada exposición. También variamos la forma de exponer para que no fuese una lectura lineal, sino que se vieran relaciones. Hubo una época en la que incluíamos fotografía de los artistas para que la gente viese que Chillida y Clavé eran muy diferentes pero super amigos, por lo que explicábamos cosas así. También incluimos textos explicativos de las obras para que la gente entendiera mejor la exposición. Desde estas experiencias lo que hacemos son actividades paralelas, como visitas muy comentadas, mesas redondas, conferencias... También algún tipo de taller específico, como los de encuadernación de libro de artista o fotografía. Por otro lado, otra de las actividades de la Fundación ha sido organizar talleres para niños como el de estampación para que vean cómo es este proceso. La idea era que la gente se lo pase bien. 

– ¿Cómo es la experiencia con los pequeños?

– Es maravilloso ver como mojan en la tinta y luego lo pasan al papel y ven lo que han dibujado. Y también hemos realizado trabajos pedagógicos con las escuelas, algo en lo que estamos trabajando muy especialmente este año. Hemos creado una maleta pedagógica. Así, presentamos el proyecto a Educación y ellos a las escuelas que lo muestran a los profesores que programan las actividades extraescolares. Por lo que se decide trabajar con una obra de un artista y a partir de ahí se realizan diferentes trabajos y actividades según las edades de los niños. El profesor prepara a los alumnos sobre un autor, ven la exposición y luego se les presta la obra para que puedan tenerla en el colegio. El arte entra dentro de la escuela. Para Bachillerato Artístico tenemos otras actividades. El arte no se enseña, se aprende la técnica pero no el arte. La inspiración no viene, sino que hay que trabajar. Estos alumnos crean sus obras pero luego necesitan saber cómo hacer el siguiente paso que es cómo hacer una exposición, qué tipo de iluminación utilizar, trabajar el concepto espacial de la sala, contactar con las galerías e instituciones o saber los tipos de contrato que se van a encontrar. De esta forma, cuando el chaval se enfrente a la exposición de su obra y al montaje que no deje una, que puede ser muy interesante,  mal colocada porque pierde toda la gracia. No hay obra sin espectador, mientras más haya mejor y si les gusta, pues es un éxito.    

–¿Qué es un grabado y una obra seriada?

– Todos los artistas trabajan la obra gráfica y hay muy pocos que no la hayan trabajado. Un grabado es siempre un original. Lo  que no es original son las reproducciones, que son los posters, que se realizan a través de un sistema mecánico y sin la intervención del artista. Con el grabado se dieron cuenta de que era muy fácil llegar a la gente. Antes se pintaba una obra y el mecenas de turno se la quedaba en casa o en su museo, por lo que muy poca gente podía acceder a ciertas obras de artistas. Así, el grabado era una forma de socializar. Luego el mercado lo cambió todo, ya que sí que se llega a más sociedad pero sigue siendo elitista. Hay artistas a los que el público general no puede acceder por el precio. Pero aunque el mercado haya diluído esto, siempre tiene este concepto de que cuando el artista lo hace mucha más gente va a poder tener una obra suya.  

–¿Cómo es el proceso de elaboración de un grabado?

- El concepto de original significa que el artista ha trabajado en la plancha, mediante una litografía o una serigrafía. Siempre hay una parte creativa por parte del artista y una intención. Puede haber 50 iguales, pero cuál es el problema, por qué no va a ser un original. Además, en gráfica es muy difícil encontrar dos grabados iguales, ya que aunque la mancha sea muy parecida la plancha se desgasta. Hay una actuación artesanal del grabador a la hora de limpiar la plancha, de pasar los colores... Cuando el estampador ha terminado con todo el tiraje, el artista es el que da el visto bueno y lo firma a lápiz y lo numera. Así, podemos encontrar grabados que son más caros que pinturas que están haciendo artistas actuales, como un grabado de Goya, que no tiene precio, es incalculable. El proceso que tenemos ahora era el mismo que utilizaba este pintor en su tiempo. Se trata de una plancha de cobre sobre la que se dibujaba y se estampaba en un papel. Con un grabado de Goya, la gente no se plantea si es un original. 

–¿Por qué Arti Public decidió apostar por este tipo de obras?

– Hemos decidido apostar por la obra gráfica porque  aquí en España no se valora, como se tiene que hacer y como sí se hace en otros lugares del mundo. El motivo no lo sé. Pero te vas a otros países donde se trata de algo tradicional como Bélgica o Francia donde todos los artistas han hecho obra gráfica. En España siempre se la ha considerado una obra menor y nosotros pretendemos que se le dé importancia. No es igual que la pintura pero tiene su relevancia dentro de la producción artística.

–¿A qué se debe el título de la exposición ‘La estampería de Monsieur Perignon’?

– Monsieur Perignon surgió en 1997 y fue un proyecto que se hizo con un conjunto de artistas de la Fundación Juan Tabique, que viene de Joan Mirón y Tapias, y es un juego de palabras. Era un grupo divertido que hacían libros con originales y que regalaban a la gente. Así surgió la idea de crear este personaje totalmente ficticio. Hace mención al coleccionista, pero nosotros no nos consideramos coleccionistas porque nuestra intención no es tener un edificio en donde la obra se quede ahí y la gente venga a verlo, sino todo lo contrario, movernos nosotros. Esto no significa que algún día tengamos una sala para exponer, ya que todo lo que no viaja está guardado. Mientras que más se mueve y llega a más gente, más difundimos el trabajo de muchos artistas en temas de obra gráfica y la potenciamos como una parte importante de la creación. . 

– ¿Quién o cómo se decide qué obras entran  en la colección?

– Hay dos partes. Cuando vamos a exponer la gente quiere que llevemos a los peces gordos como Miró o Picasso, luego si la sala es grande piden que vengan artistas de la colección. Tenemos muchísima gente, conocida y no conocida, pero en un principio la colección se empieza a crear mediante relato historiográfico. Intentamos ir a a buscar a los artistas que han ido trabajando a partir de cierta época o que han tenido relación con artistas españoles  o que su obra realizada durante un tiempo en España ha influido en otros artistas. Esta parte es la que más cuesta. Luego con la visita a artistas, talleres, bienales, intentamos que la fecha vaya alargándose y buscando obras de artistas que estén trabajando ya desde el 2000 para completar estos diez años.